Реферат: Художники передвижники

Лето 1871 года Шишкин прожил на родине. В начале 1872 года на конкурсе,

организованном Обществом поощрения художеств в Петербурге, Шишкин выступил с

картиной "Мачтовый лес в Вятской губернии". Уже название позволяет связать

это произведение с природой родного края, а время собирания материала - с

летом 1871 года.

Картина Шишкина была приобретены П. М. Третьяковым и вошла в состав его

галереи. Крамской в письме от 10 апреля 1872 года, извещая Третьякова об

отправке картин, называет картину Шишкина "замечательнейшим произведением

русской школы". В письме к Васильеву о той же картине Крамской отзывается еще

более восторженно. "Он (то есть Шишкин), - пишет Крамской, - написал вещь

хорошую до такой степени, что, оставаясь все-таки самим собой, он еще не

сделал ничего равного настоящему. Это есть чрезвычайно характеристическое

произведение нашей пейзажной живописи".

Став одним из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок,

Шишкин сдружился с Константином Савицким, Иваном Крамским, позже - в 1870-х

годах - с Архипом Куинджи.

Творческая жизнь Ивана Шишкина в течение долгого ряда лет (особенно в 70-х

годах) проходила на глазах Крамского. Обычно из года в год оба художника по

летам селились вместе, где-нибудь среди природы средней полосы России.

Многим, видимо, обязанный участию Крамского, Шишкин открыто называл его тем

художником, который оказывал на него благотворное влияние. Крамской, видя

неуклонный творческий рост пейзажиста с начала 70-х годов, особенно радовался

его успехам в области колорита, подчеркивая, что эта победа была им завоевана

прежде всего в области этюда, то есть в непосредственном общении с природой.

В 1872 году в письмах к Васильеву из-под Луги (где Крамской и Шишкин жили

вместе) Крамской часто писал о занятиях этюдами. "Лучше я вам взамен

рассуждении расскажу, что мы тут делаем, - пишет он Васильеву 20 августа. -

Во-первых, Шишкин все молодеет, т. е. растет. Серьезно... А уж этюды, я вам

доложу - просто хоть куда, и как я писал вам, совершенствуется в колорите".

В то же время Крамской со свойственной ему глубиной и широтой во взглядах на

искусство сразу же почувствовал здоровую основу и сильные стороны творчества

Шишкина и его огромные возможности. Уже в 1872 году в письме к Васильеву

Крамской, отмечая с суровой беспристрастностью некоторую ограниченность,

присущую в те годы творчеству Шишкина, определил место и значение этого

художника для русского искусства: "...он все-таки неизмеримо выше всех,

взятых вместе, до сих пор... Шишкин - верстовой столб в развитии русского

пейзажа, это человек - школа, но живая школа".

В апреле 1874 года умерла первая жена Шишкина, Евгения Александровна (сестра

Федора Александровича Васильева), и вслед за ней маленький сын. Под тяжестью

личных переживаний Шишкин на некоторое время опустился, отошел от Крамского и

бросил работать. Он поселился в деревне, снова сошелся с однокашниками по

Московскому Училищу живописи и ваяния и Академии художеств, часто выпивавшими

вместе с ним. Могучая натура Шишкина победила тяжелые душевные переживания, и

уже в 1875 году на 4-ю Передвижную выставку Шишкин смог дать ряд картин, из

которых одна ("Родник в сосновом лесу") снова вызвала восторженные похвалы

Крамского.

В семидесятых годах Шишкин все серьезнее увлекается офортом. Техника глубокой

печати, позволяющая свободно рисовать без каких-либо физических усилий,

оказалась ему особенно близка - он мог сохранить свободную и живую манеру

линейно-штрихового рисунка. В то время как многие художники использовали

офорт для репродуцирования своих картин, для Шишкина искусство офорта стало

самостоятельной и важной областью творчества. Стилистически близкие его

живописным произведениям, сочные эстампы художника отличаются

выразительностью образного строя и удивительной тонкостью исполнения.

Шишкин выпускал эстампы то отдельными листами, то целыми сериями, которые он

объединял в альбомы, пользовавшиеся большим успехом. Мастер смело

экспериментировал. Он не только вычеркивал рисунок иглой, но и рисовал на

доске краской, клал новые тени, подчас дополнительно протравливал готовое

изображение, усиливал или ослаблял интенсивность всего офорта или отдельных

мест. Нередко он дорабатывал печатную форму сухой иглой, нанося рисунок на

металлическую доску даже после травления и дополняя изображение новыми

деталями. Известно большое количество сделанных художником пробных оттисков.

Уже один из ранних офортов Шишкина "Ручей в лесу" (1870) свидетельствует о

прочности профессионального фундамента гравера, за которым стоит напряженная

штудийная и творческая работа. Многодельный, сложный по мотиву, этот офорт

напоминает те рисунки пером и тушью, которые Шишкин исполнял в шестидесятые

годы. Но по сравнению с ними, при всей измельченности штрихов, он лишен

какой-либо засушенности, в нем больше чувствуется красота чеканных линий,

богаче светотеневые контрасты.

В некоторых произведениях художник достигает высокого поэтического обобщения

при сохранении все той же тщательности в передаче деталей. Для семидесятых

годов такой картиной стала "Рожь" (1878).

9 марта 1878 года распахнулись двери Общества поощрения художеств. Здесь в то

время разместилась шестая выставка передвижников, на которой экспонировались

такие выдающиеся полотна, как "Протодьякон" И. Е. Репина, "Кочегар" и

"Заключенный" Н. А. Ярошенко, "Встреча иконы" К. А. Савицкого, "Вечер на

Украине" А. И. Куинджи. И даже среди них выделялся пейзаж Шишкина "Рожь". Он

не уступал им в значительности содержания и в уровне исполнения. Крамской

сообщал Репину: "Я буду говорить в том порядке, в котором (по-моему) вещи по

внутреннему своему достоинству располагаются на выставке. Первое место

занимает Шишкина "Рожь".

Картина писалась после совершенной художником в 1877 году поездки в Елабугу.

На протяжении всей своей жизни он постоянно приезжал в отчий край, где словно

черпал новые творческие силы. Найденный на родине мотив, запечатленный в

одном из карандашных набросков с лаконичной авторской надписью: "Эта", и лег

в основу картины.

Само название "Рожь" в известной степени выражает сущность изображенного, где

все так мудро просто, и в то же время значительно. Это произведение невольно

ассоциируется со стихами А. В. Кольцова и Н. А. Некрасова - двух поэтов,

которых Шишкин особенно любил.

Все рожь кругом, как степь, живая,

Ни замков, ни морей, ни гор.

Спасибо, сторона родная,

За твой врачующий простор.

Так писал Некрасов после возвращения из-за границы в стихотворении "Тишина".

Спелая рожь, наполняющая картину золотым отливом, с шумящими, колышущимися от

ветра колосьями, бесконечным морем разлилась вокруг. Будто бы из-под ног

зрителя убегает вперед, извиваясь и прячась за стеной ржи, полевая тропа.

Мотив дороги, как бы символизирующий у художников обличительного направления

трудный и скорбный путь народа, приобретает у Шишкина совершенно иное,

радостное звучание. Это светлая, "гостеприимная" дорога, зовущая и манящая

вдаль.

Жизнеутверждающее произведение Шишкина созвучно мироощущению народа,

связывающего с могуществом и богатством природы представление о "счастии,

довольстве человеческой жизни". Недаром на одном из эскизов художника мы

находим такую запись: "Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божия Благодать.

Русское богатство". В этой более поздней авторской ремарке раскрывается суть

созданного образа.

Картиной "Рожь" завершаются в семидесятых годах завоевания Шишкина -

пейзажиста эпического склада. В контексте русской пейзажной живописи второй

половины XIX века картина имеет значение этапного произведения, лучше всего

выразившего в тот период путь передвижнического пейзажа, в котором конкретный

национальный образ русской природы приобрел особую социальную значимость.

Назревшая в искусстве критического реализма проблема утверждения

положительных идеалов нашла в этом жанре наиболее полное решение в картине

"Рожь".

В семидесятых годах идет стремительный процесс развития пейзажной живописи,

обогащение ее новыми талантами. Рядом с Шишкиным экспонирует на пяти

передвижных выставках свои восемь знаменитых картин А. И. Куинджи,

разрабатывающий совершенно необычную живописную систему. Создаваемые Шишкиным

и Куинджи художественные образы, их творческие методы, приемы, как

впоследствии и система преподавания, резко отличались, что не умаляло

достоинство каждого из них. Тогда как Шишкину было свойственно спокойное

созерцание природы во всей обыденности ее проявления, Куинджи присуще

романтическое ее восприятие, его увлекали в основном эффекты освещения и

вызванные ими цветовые контрасты. Колористическая насыщенность и смелые

обобщения форм позволили ему достичь особой убедительности в решении сложной

задачи максимального приближения к реально существующей силе цвета в природе

и обусловили присущие его произведениям элементы декоративности. В решении

колористических задач Шишкин уступал Куинджи, но зато был сильнее его как

рисовальщик. Характерно, что Куинджи, изображавший, как правило, явления

природы, не поддающиеся длительному изучению, обходился без предварительных

натурных этюдов, в то время как Шишкин считал их первоосновой творческого

процесса.

Наряду с Куинджи в конце семидесятых годов выступает В. Д. Поленов - автор

замечательных пленэрных жанрово-пейзажных картин "Московский дворик" и

"Бабушкин сад". В 1879 году, после трехлетнего перерыва, в предпоследний раз

экспонирует два пейзажа Саврасов, в творчестве которого намечаются черты,

предвещающие близящийся упадок. А на московской ученической выставке 1879/80

года появляется тонкая по живописи лирическая картина занимавшегося в классе

Саврасова молодого И. И. Левитана "Осенний день. Сокольники".

Все эти произведения представляли различные направления в единых рамках

русского реалистического пейзажа. Каждое из них вызывало интерес зрителей. И

все же наибольший успех выпал на долю Шишкина, который занял в конце

семидесятых годов одно из самых видных мест, если не главное, среди русских

пейзажистов. В новом десятилетии, когда прекратили выставляться А. И. Куинджи

и А. К. Саврасов, а М. К. Клодт и Л. Л. Каменев не достигли такого

художественного уровня, как Шишкин, последний вместе с В. Д. Поленовым

возглавил передвижническую школу пейзажа. В его лучших произведениях

реалистическая пейзажная живопись поднимается на одну из самых высоких

ступеней.

В 80-е годы Шишкин создает много картин, в сюжетах которых он по-прежнему

обращается преимущественно к жизни русского леса, русских лугов и полей,

впрочем, затрагивая и такие мотивы, как морское побережье Балтики. Основные

черты его искусства сохраняются и теперь, но художник отнюдь не остается

неподвижно на творческих позициях, выработанных к концу семидесятых годов.

Такие полотна, как "Ручей в лесу (На косогоре") (1880), "Заповедник. Сосновый

бор" (1881), "Сосновый лес" (1885), "В сосновом лесу" (1887) и другие по

характеру близки работам предшествующего десятилетия. Однако трактованы они с

большей живописной свободой. В лучших пейзажах Шишкина этого времени находят

отражение общие для русского изобразительного искусства тенденции,

преломляемые им по-своему. Художник с увлечением работает над широкими по

размаху, эпическими по своему строю картинами, воспевающими просторы родной

земли. Теперь все ощутимее его стремление к передаче состояния природы,

экспрессии образов, чистоте палитры. Во многих произведениях, прослеживая

цветовые и световые градации, он использует принципы тональной живописи.

Серьезное внимание уделяет Шишкин фактурному решению произведений, умело

сочетая подмалевок с применением лессировки и корпусных красок, разнообразя

мазки, которые наносятся различными кистями. Моделировка формы становится у

него предельно точной и уверенной.

Успехи в колорите были достигнуты Шишкиным прежде всего и в наибольшей

степени в этюдах, в процессе прямого общения с природой. Не случайно друзья

Шишкина, художники-передвижники, находили его этюды не менее интересными, чем

картины, а подчас даже более свежими и колоритными. Между тем помимо "Сосен,

освещенных солнцем", и сочного по живописи, чрезвычайно выразительного

пейзажа "Дубы. Вечер", многие превосходные этюды Шишкина лучшей поры его

творчества почти не упоминаются в искусствоведческой литературе. К ним

относятся "Уголок заросшего сада. Сныть-трава" (1884), "Лес (Шмецк близ

Нарвы)", "У берегов Финского залива (Удриас близ Нарвы)" (оба 1888 г.), "На

песчаном грунте. Мери-Хови по финляндской железной дороге" (1889, 90?),

"Молодые сосенки у песчаного обрыва. Мери-Хови по финляндской железной

дороге" (1890) и целый ряд других. Все они отличаются обостренным чувством

формы и фактуры предметов, тонкой градацией близлежащих оттенков цвета,

свободой и многообразием живописных приемов при сохранении строгого,

реалистически точного рисунка. Кстати, последнее со всей наглядностью

выявляет исследование произведений Шишкина в инфракрасном свете. Лежащий в

основе работ художника четкий рисунок является существенным признаком, дающим

возможность отличить подлинные произведения мастера.

Многочисленные этюды Шишкина, над которыми он особенно увлеченно трудился в

пору творческого расцвета, свидетельствуют о его чуткости к тенденциям

развития русского искусства последних десятилетий XIX века, когда усиливается

интерес к работам этюдного характера как особой живописной форме.

В 1885 году В. Д. Поленов экспонировал на передвижной выставке девяносто семь

этюдов, привезенных из поездки на Восток. Шишкин же впервые выступил с

группой этюдов в 1880 году, показав двенадцать крымских пейзажей. На

протяжении всех последующих лет он неоднократно демонстрировал этюды, к

которым относился как к самостоятельным законченным художественным

произведениям. И то, что Шишкин показывал на своих персональных выставках не

картины, а именно этюды, позволяет судить о том, сколь принципиально важной

была для него эта область художественной деятельности.

Некоторые этюды Шишкина приобретались П. М. Третьяковым вскоре после их

окончания. К ним относится пейзаж "Пасека" (1882) с голубым облачным небом и

прекрасно разработанной темной зеленью. Он гораздо живописнее по сравнению с

аналогичной по мотиву картиной 1876 года "Пасека в лесу". Художник приблизил

к зрителю ульи и крытый соломой сарай, сократил подробный рассказ и достиг

большой емкости и цельности художественного образа.

В восьмидесятые-девяностые годы художника все чаще привлекают изменчивые

состояния природы, быстро проходящие моменты. Благодаря интересу к световоз-

душной среде, к колориту ему теперь больше, чем раньше, удаются такого рода

произведения. Пример тому - поэтичная по мотиву и гармоничная по живописи

картина "Туманное утро" (1885). Как нередко бывало у художника, увлекший его

мотив он варьирует в нескольких произведениях. В 1888 году Шишкин написал

"Туман в сосновом лесу" и тогда же, видимо, этюд "Крестовский остров в

тумане", в 1889 году - "Утро в сосновом лесу" и "Туман", в 1890 году - снова

"Туман" и, наконец, "Туманное утро" (пейзаж, экспонировавшийся на двадцать

пятой передвижной выставке).

Среди всех произведений художника наиболее широкой известностью пользуется

картина "Утро в сосновом лесу". Замысел ее подсказал Шишкину К. А. Савицкий,

но не исключена возможность, что толчком к появлению этого полотна послужил

пейзаж 1888 года "Туман в сосновом лесу", написанный, по всей вероятности,

как и "Бурелом", после поездки в вологодские леса. Видимо, "Туман в сосновом

лесу", с успехом экспонировавшийся на передвижной выставке в Москве (ныне в

частном собрании в Чехо-Словакии) породил у Шишкина и Савицкого обоюдное

желание написать сходный по мотиву пейзаж с включением в него своеобразной

жанровой сценки с резвящимися медведями. Ведь лейтмотивом прославленной

картины 1889 года как раз и является туман в сосновом лесу. Судя по описанию

оказавшегося в Чехо-Словакии пейзажа, задний план его с участком густого леса

напоминает дальний вид исполненного маслом эскиза картины "Утро в сосновом

лесу", принадлежащего Государственной Третьяковской галерее. И это лишний раз

подтверждает возможность взаимосвязи обеих картин. Видимо, по эскизу Шишкина

(то есть так, как они были задуманы пейзажистом), Савицкий и написал медведей

в самой картине. Эти медведи с некоторыми различиями в позах и в количестве

(сначала их бы ло два) фигурируют во всех подготовительных набросках и

эскизах Шишкина. А их было немало. В одном только Государственном Русском

музее хранятся семь карандашных эскизов-вариантов. Медведи получились у

Савицкого столь удачно, что он даже расписался вместе с Шишкиным на картине.

Однако приобретший ее П. М. Третьяков снял подпись, решив утвердить за этой

картиной только авторство Шишкина. Ведь в ней "начиная от замысла и кончая

исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных

именно Шишкину".

Занимательный жанровый мотив, введенный в картину, во многом способствовал ее

популярности, но истинной ценностью произведения явилось прекрасно выраженное

состояние природы. Это не просто глухой сосновый лес, а именно утро в лесу с

его еще не рассеявшимся туманом, с легко порозовевшими вершинами громадных

сосен, холодными тенями в чащах. Чувствуется глубина оврага, глушь.

Присутствие медвежьего семейства, расположившегося на краю этого оврага,

порождает у зрителя ощущение отдаленности и глухости дикого леса.

На рубеже восьмидесятых - девяностых годов Шишкин обратился к сравнительно

редкой для него теме зимнего оцепенения природы и написал большую картину

"Зима" (1890), поставив в ней трудную задачу передачи чуть заметных рефлексов

и почти монохромной живописи. Все сковано морозом и погружено в тень. Только

в глубине луч солнца осветил полянку, слегка окрасив ее в розоватый тон. От

этого снег, толстым слоем лежащий на земле, на ветвях сосен кажется еще

голубее. Лишь темнеющие на его фоне мощные стволы огромных деревьев да птица

на ветке привносят ощущение жизни.

И в девяностые годы, в трудный для Товарищества передвижных художественных

выставок период, отмеченный кризисными явлениями в творчестве многих

художников старшего поколения и возникающими в среде передвижников

разногласиями, грозящими распадом всей организации, Шишкин оставался с теми,

кто сохранял верность демократическим идеалам шестидесятых годов.

Последователь Крамского, убежденный сторонник просветительской, идейно-

художественной программы передвижников, активно участвовавший своим

творчеством в ее претворении в жизнь, он в 1896 году с гордостью писал:

"Приятно вспомнить то время, когда мы, как новички, прокладывали первые

робкие шаги для передвижной выставки. И вот из этих робких, но твердо

намеченных шагов выработался целый путь и славный путь, путь, которым смело

можно гордиться. Идея, организация, смысл, цель и стремления Товарищества

создали ему почетное место, если только не главное, в среде русского

искусства.

В преддверии XX века, когда возникают различные течения и направления, идут

поиски новых художественных стилей, форм и приемов, Шишкин продолжает

уверенно следовать по своему раз избранному пути, создавая жизненно

правдивые, содержательные и типические образы русской природы. Достойным

завершением его цельного и самобытного творчества стала картина "Корабельная

роща" (1898) - полотно, классическое по полноте и многогранности

художественного образа, совершенству композиции.

В основу этого пейзажа легли натурные этюды, выполненные Шишкиным в родных

прикамских лесах, где он нашел свой идеал - синтез гармонии и величия. Но в

произведении воплощено и то глубочайшее знание русской природы, которое было

накоплено мастером за почти полувековую творческую жизнь. Эскиз-вариант,

хранящийся в Государственном Русском музее, имеет авторскую надпись:

"Корабельная Афонасовская роща близ Елабуги". То, что художник, создавая

картину, основывался на живых, конкретных впечатлениях, сообщает ей особую

убедительность.

Причем достоверность образа сочетается здесь с широким обобщением и типизацией.

В центре выделены освещенные солнцем мощные стволы вековых сосен. Густые

кроны бросают на них тень. Вдали - пронизанное теплым светом, словно манящее

к себе пространство бора. Срезая рамой верхушки деревьев (прием, часто

встречающийся у Шишкина), он усиливает впечатление огромности деревьев,

которым словно не хватает места на полотне. Великолепные стройные сосны даны

во всей своей пластической красоте. Их чешуйчатая кора написана с

использованием многих цветов. Шишкин был и оставался до конца непревзойденным

знатоком дерева, художником, не имевшим соперников в изображении хвойного

леса.

Как всегда неторопливо рассказывает он о жизни этого леса в погожий летний

день. Изумрудная трава и сероватая зелень молочая спускаются к мелкому,

бегущему по камням и песку ручью. Переброшенная через него изгородь говорит о

близком присутствии человека. Две вспорхнувшие желтые бабочки над водой,

зеленоватые отражения в ней, чуть голубоватые рефлексы от неба, скользящие

лиловатые тени на стволах привносят трепетную радость бытия, не нарушая при

этом впечатления разлитого в природе покоя. Прекрасно написана поляна справа

с побуревшей от солнца травой, сухой почвой и насыщенной по цвету молодой

порослью. Разнообразные, выявляющие форму и фактуру мазки подчеркивают

мягкость травы, пушистость хвои, крепость стволов. Богато нюансирован цвет.

Во всем чувствуются отточенное мастерство, уверенная рука художника.

Картина "Корабельная роща" (самая крупная по размерам в творчестве Шишкина) -

как бы последний, завершающий образ в созданной им эпопее, символизирующей

богатырскую русскую силу. Осуществление такого монументального замысла, как

это произведение, свидетельствует, что шестидесятишестилетний художник

находился в полном расцвете творческих сил, но на этом его путь в искусстве

оборвался. 8 (20) марта 1898 года он скончался в своей мастерской за

мольбертом, на котором стояла новая, только что начатая картина "Лесное

царство".

Вместе с группой коренных передвижников - учредителей и руководителей

Товарищества - Шишкин прошел большой и славный путь. Но в изобразительном

искусстве конца XIX столетия наблюдалась уже иная, чем прежде, расстановка

художественных сил. В творчестве молодых живописцев росло стремление к новым

средствам художественной выразительности, усиливались поиски иных образных

решений. Тогда-то в среде некоторых старших художников стала обнаруживаться

явная нетерпимость к тем представителям нового поколения, которые пытались

отойти от устоявшихся традиций передвижников. В этом отходе отдельные старшие

передвижники усматривали не естественное для молодых стремление к поиску

новых решений, к непрерывному движению вперед, а отступление от славных

завоеваний предыдущего поколения в его нелегкой борьбе с отживающим

академизмом. В прошлом сами новаторы, они теперь не признавали новаторства

талантливой молодежи. А ведь восприятие художниками старшего поколения

творчества молодых - тот оселок, на котором выявляется понимание путей

развития искусства.

Шишкин, как и Репин, с которым в 1894 году он начал преподавать в Высшем

художественном училище при Академии художеств, умел ценить таланты.

Показательно в данном случае то, что он первым и лучшим художником назвал В.

А. Серова - величайшего портретиста, внесшего неоценимый вклад и в развитие

русского пейзажа, нашедшего новые тончайшие средства художественной

выразительности в изображении скромной русской природы.

В среде молодых художников Шишкин пользовался заслуженным уважением, несмотря

на то что исповедовал иные эстетические принципы, придерживался иной

художественной системы. Молодежь не могла не признавать в нем глубочайшего

знатока и вдумчивого изобразителя русской природы, не могла не оценить его

высокого мастерства. Этюды, рисунки, офорты Шишкина были той наглядной "живой

школой", о которой говорил в свое время Крамской. Этой же школой для

начинающих художников, конечно, являлся и сам Шишкин, его опыт, его знания,

его непосредственные занятия с ними.

Сам Шишкин в поздние годы, сохраняя верность своим принципам и выработанной

годами манере, внимательно присматривался к работам молодых, старался и в

собственное творчество вносить нечто новое, при том, что в сложной,

противоречивой художественной жизни кануна XX века он неизменно оставался

ярким представителем искусства критического реализма, выразителем

демократических идеалов, носителем лучших традиций передвижничества.

"Если дороги нам картины природы нашей дорогой и милой Руси,- писал Шишкину

В. М. Васнецов в 1896 году,- если мы хотим найти свои истинно народные пути к

изображению ее ясного, тихого и задушевного облика, то пути эти лежат и через

Ваши смолистые, полные тихой поэзии леса. Корни Ваши так глубоко и накрепко

вросли в почву родного искусства, что их никем и никогда оттуда не

выкорчевать"

Сегодня он покоряет нас мудростью своего мировидения, лишенного хоть какого-

то намека на суетливость и компромисс.

Его новаторство - в устойчивости, чистоте традиций, в первичности и цельности

ощущения мира живой природы, в его любви и преклонении перед натурой.

Не рабское следование и копирование, а глубочайшее проникновение в душу

пейзажа, верный однажды взятый камертон могучей песни - вот что свойственно

былинному складу творчества Шишкина.

Шишкин умер 20 марта 1898 года, как истинный художник - за работой.

ВАСИЛИЙ ДМИТРИЕВИЧ ПОЛЕНОВ

Поленов Василий Дмитриевич [20.5(1.6).1844, Петербург, - 18.7.1927, усадьба

Борок, ныне Поленово Тульской области], русский живописец, действительный

член петербургской АХ (1893), народный художник РСФСР (1926). Сын Д. В.

Поленова. Учился у П. П. Чистякова и в петербургской АХ (1863-71). Пенсионер

АХ в Италии и Франции (1872-76). Участвовал в сербо-черногорско-турецкой

(1876) и русско-турецкой (1877-78) войнах как художник-корреспондент. С 1878

- передвижник. За границей исполнил ряд картин в духе салонного академизма на

темы из западно-европейской истории ("Право господина", 1874, Третьяковская

галерее); в то же время много работал на пленэре. С конца 1870-х гг. большое

место в творчестве Поленова занимает пейзаж. Продолжая традиции лирического

пейзажа А. К. Саврасова и Ф. А. Васильева, Поленов передавал тихую поэзию,

неброскую красоту уголков русской природы, неразрывно связанных с

повседневной жизнью человека, одним из первых в русской живописи добивался

пленэрной свежести колорита, живой естественности мотива, сочетавшейся в его

произведениях с композиционной завершённостью и чёткостью рисунка

("Московский дворик", 1878; "Бабушкин сад", 1878; "Заросший пруд", 1879; все

- в Третьяковской галерее). Разрабатываемые Поленовым принципы (привнесение в

пейзаж жанрового или лирико-ассоциативного начала, понимание этюда как

самостоятельные художественные произведения) имели большое значение для

дальнейшего развития русской пейзажной живописи. Этюды, выполненные Поленовым

на Ближнем Востоке и в Греции (1881-82), послужили материалом к картине

"Христос и грешница" (1886-87, Русский музей, Ленинград), попытке разрешить

нравственную проблему в духе христианской этики, а в плане художественном -

обновить живописную систему академизма. Большую убедительность тяготение

Поленова к гуманистическим темам получает в близкой передвижничеству по

замыслу и исполнению картине "Больная" (1886, Третьяковская галерея).

Продолжая в дальнейшем обращаться к евангельским сюжетам, Поленов чаще всего

придавал им жанровую или пейзажную окраску. Для пейзажей Поленов, посвященных

родной природе, с середины 1880-х гг. характерны нарастание эпического

звучания, черт монументальности, своеобразного декоративизма, свободная

манера письма ("Золотая осень", 1893, Музей-усадьба им. В. Д. Поленова,

Поленово). Начиная с 1870-х гг. Поленов много работал в области театрально-

декорационной живописи, в которую внёс новые живописно-образные приёмы. С

1873 оформлял спектакли в доме и позже в Московской частной русской опере С.

И. Мамонтова; в 1910-18 вёл в Москве просветительскую деятельность по

организации народного театра. В 1882-95 преподавал в Московском училище

живописи, ваяния и зодчества. Ученики Поленова: И. И. Левитан, К. А. Коровин,

И. С. Остроухов, А. Е. Архипов, А. Я. Головин и др. В 1905 Поленов вместе с

В. А. Серовым направил в Совет АХ протест против расстрела рабочих 9 января.

В усадьбе Борок (с 1931 - Поленово, Тульская область) Поленова был создан

художественный музей (в 1939 передан родственниками Поленова в дар

государству).

Бейрут. Сирийский порт на Средиземном море

1882

Холст, масло

142*125

Государственная Третьяковская галерея

В парке

1874

Холст, масло

143*250

Государственнная Третьяковская галерея

АЛЕКСЕЙ КОНДРАТЬЕВИЧ САВРАСОВ

Алексей Кондратьевич Саврасов (1830-1897) - замечательный русский художник-

пейзажист, один из членов-учредителей Товарищества передвижников, родился в

Москве.

Алексей Кондратьевич Саврасов родился 24 мая 1830 года в семье московского

купца третьей гильдии.

В ранней юности у будущего художника обнаруживаются незаурядные способности к

живописи. Вопреки желанию отца, который мечтал "приспособить сына к

коммерческим делам", Саврасов в 1844 году поступает в Московское училище

живописи и ваяния. В 1848 году в отчетах Совета Московского художественного

общества упоминается об успехах лучшего ученика перспективного и пейзажного

класса А. К. Саврасова, которым руководит известный московский "видописец" К.

И. Рабус.

На средства И. В. Лихачева, мецената, члена Совета Московского

художественного общества, Саврасов в числе учащихся летом 1849 года едет на

юг России и пишет виды Одессы и Малороссии. За программные работы этого года

художника награждают похвальным листом, а 25 сентября 1850 года он кончает

Училище и получает звание неклассного художника за картины "Вид Московского

Кремля при луне" и "Камень у маленького ручья".

Первые пейзажи Саврасова непосредственно связаны с традициями академической

школы. В академической пейзажной живописи 40-50-х годов преобладало

романтическое направление, к нему был близок и учитель Саврасова. В юношеских

произведениях Саврасова - "Вид Москвы с Воробьевых гор" (1848, ГТГ), "Вид

Кремля в ненастную погоду" (1851, ГТГ) - сказалось внешнее влияние

романтизма. Однако пейзажи Саврасова отличались живыми наблюдениями,

искренностью чувств.

Летом 1854 года художник работает у Финского залива под Петербургом. На

осенней выставке в Академии художеств (6 октября 1854 г.) привлекли внимание

две его картины: "Вид в окрестностях Ораниенбаума" и "Морской берег в

окрестностях Ораниенбаума", за которые художнику присваивается звание

академика.

Обе картины значительно отличаются от его прежних работ. Избрав традиционный

романтический мотив, художник ищет поэтичность не во внешних эффектах, а в

лирическом воспроизведении природы. С любовью он передает очарование летнего

вечера на взморье, влажность морского воздуха в тени вековых валунов, сумрак

под широко раскинувшимися ветвями деревьев.

В Москве Саврасов снова участвует в выставках Училища живописи и ваяния, а

после смерти своего учителя в 1857 году становится руководителем пейзажного

класса. Преподавание идет успешно, Саврасова окружают любящие друзья и

ученики.

В том же году он женится на Софье Карловне Герц, сестре известного археолога

и историка искусства. В их доме собираются художники, деятели искусства,

меценаты (в том числе и П. М. Третьяков), читаются литературные новинки,

ведутся оживленные беседы, споры по вопросам, волновавшим в то время русское

общество.

Особенно дружен был А. К. Саврасов с В. Г. Перовым, инициатором создания

Товарищества передвижных выставок. В. Г. Перов помогал художнику писать

фигуры бурлаков в картине "Волга под Юрьевцем", Саврасовым же написан пейзаж

в картинах Перова "Птицелов" и "Охотники на привале".

Значительный этап в творческом развитии художника представляет картина

"Пейзаж с рекой и рыбаком" (1859, Гос.. художественный музей Латвийской ССР).

Здесь нет ни борьбы стихий, ни поражающих контрастов освещения. Спокойные

линии берега, плавный силуэт купы деревьев, мягкий солнечный свет, озаряющий

подмосковную долину.

Для русского искусства 60-е годы прошлого столетия были временем утверждения

национального характера русского пейзажа. Все чаще пейзажисты обращаются к

изображению преимущественно сельской среднерусской полосы, стремятся правдиво

передать красоту родной земли.

Много работает Саврасов в окрестностях Москвы: "Вид в селе Кунцево" (1855,

ГТГ), "Вечерний пейзаж" (1861, Гос. художественный музей Латвийской ССР),

"Сельский вид" (1867, ГТГ).

Весной 1862 года по предложению Общества любителей художеств А. К. Саврасов

выехал за границу, посетил Всемирную художественную выставку в Лондоне,

побывал в Копенгагене, Берлине, Дрездене, Лейпциге, Париже, Мюнхене, прожил

два месяца в горной Швейцарии. Английские и немецкие мастера привлекли

внимание художника "стремлением к правде и самостоятельности".

Наиболее значительным произведением Саврасова 60-х годов была картина

"Лосиный остров" (1869, ГТГ), удостоенная первой премии на конкурсе

Московского Общества любителей художеств. Отмечая эту удачу, один из

современников писал об умении художника "поэтично пе-ренесть на полотно

знакомый каждому из нас клочок природы из окрестностей Москвы". Величавый и

торжественный сосновый бор стоит, как страж раскинувшихся далей.Ясный летний

день.На лугах мирно пасется стадо. Тщательно разработана в пейзаже каждая

деталь: кусты, деревья, трава на поляне. Здесь художник раскрывает

значительность обычного и повседневного в природе. Картина "Лосиный остров"

относится ко времени расцвета творчества художника. Последующие годы

ознаменованы созданием лучших его произведений. В декабре 1870 года А. К.

Саврасов вместе с женой едет на Волгу. Он живет в Ярославле, под Костромой, в

Нижнем Новгороде, Юрьевце. Картина "Печерский монастырь под Нижним

Новгородом" (1871, Горьковский гос. художественный музей) - одно из самых

больших полотен художника и первый из известных его волжских пейзажей.

Саврасов покорен величавой торжественностью, необъятными просторами волжской

природы, ее органической связью с жизнью человека, с жизнью русского народа.

В широкую панораму пейзажа естественно вписаны дома слободки с садами,

зеленеющие луга, синие лагуны, песчаные отмели, и над всем - возвышающийся

белокаменный монастырь. Природа и человек в картине едины.

"Тихая жизнь в Ярославле позволяет мне сосредоточенно заниматься искусством",

- пишет художник П. М. Третьякову. Одна за другой появляются картины "Волга

под Юрьевцем" (1871, местонахождение неизвестно), "Разлив Волги под

Ярославлем" (1871, ГРМ) и, наконец, "Грачи прилетели" (1871, ГТГ),

появившаяся на Первой передвижной выставке, восторженно принятая всеми.

"Пейзаж "Грачи прилетели" есть лучший, и он, действительно прекрасный, хотя

тут и Боголюбов, и барон Клодт, и И. И. (Шишкин. - О. И.). Но все это -

деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в „Грачах"", - писал И. Н.

Крамской Ф. А. Васильеву. Появлению картины предшествовали этюды с натуры,

написанные художником в Ярославле и в селе Молвитиново близ Костромы.

Неяркий и тонкий колорит, построенный на мягких сочетаниях серых, коричневых,

белых и голубых тонов, передает перламутровую нежность весенних красок. В

северной природе после долгой зимы пробуждение наступает медленно. Снег долго

лежит на полях, коченеют на ветру деревья, и вдруг все наполняется легким

трепетом жизни, радостным гомоном птиц. Белоствольные березки тонкими ветвями

устремляются к легким облакам, голубеющему небу, под теплым дуновением ветра

розовеют и набухают почки, шумные грачи вьют гнезда. Воздух весенний, легкий,

прозрачный и ясно видны высокая каменная церквушка с шатровой колокольней и

широкие просторы полей с рекой вдалеке.

"Какая простота! - писал И. И. Левитан. - Но за этой простотой вы чувствуете

мягкую, хорошую душу художника, которому все это дорого и близко его сердцу".

Никто до Саврасова не мог так глубоко и поэтично раскрыть красоту и

лиричность русского пейзажа. Картина "Грачи прилетели" способствовала успеху

Первой передвижной выставки. С тех пор Саврасов прочно связал свою творческую

деятельность с Товариществом передвижных выставок.

Многие произведения художника, которые появлялись на выставках передвижников,

были написаны в Поволжье. Саврасов бывал под Нижним Новгородом и под Казанью,

но больше всего любил места между Ярославлем и Костромой. Его картины

многообразны по передаче состояния природы, диапазону чувств. В пейзаже

"Разлив Волги под Ярославлем" (1871, ГРМ) спокойная мощь русской природы,

"разливы рек, подобные морям".

В одних произведениях природа предстает обновленной, ликующей - "Проселок"

(1873, ГТГ), "Радуга" (1875, ГРМ), в других - взволнованной, поэтически

приподнятой - "Вечер. Перелет птиц" (1874, Одесская картинная галерея).

В 70-е годы в произведениях Саврасова все более ощущается печаль, тревога, а

то и острая тоска: "Лунная ночь. Болото" (1870, ГТГ), "Закат над болотом"

(1871, ГРМ).

Под впечатлением личной трагедии (смерть дочери в 1871 г.) Саврасов создает

одно из самых драматических своих полотен "Могилы над Волгой" (1874, частное

собрание).

В конце 70-х годов художник тяжко заболевает, в творчестве его заметны черты

упадка. Но и в поздний период появляются подлинно поэтические произведения, и

среди них - "Рожь" (1881, ГТГ), "Зимний пейзаж" (частное собрание), "Северная

деревня", "Весна. Огороды" (1883, Пермская гос. художественная галерея).

Нелегкими оказались для художника последние десятилетия. Известны прошения

Саврасова о денежных ссудах, о казенной квартире: эти годы А. К. Саврасов

провел в глубокой нужде и умер 26 сентября 1897 года в Москве.

Его ученик И. И. Левитан писал: "Не стало одного из самых глубоких русских

пейзажистов, с Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная

любовь к своей родной земле. Да, покойный Саврасов создал русский пейзаж, и

эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского

художества".

Весна. Огороды

1893

Холст, масло

60*76

Пермская государственная художественная галерея

Лосиный остров в Сокольниках

1869

Холст, масло

62*88

Государственная Третьяковская галерея

Грачи прилетели

1871

Холст, масло

62*48,5

Государственная Третьяковская галерея

АРХИП ИВАНОВИЧ КУИНДЖИ

Архип Иванович Куинджи родился в 1842 году на окраине Мариуполя в семье

грека, бедного сапожника. Фамилия Куинджи была дана ему по прозвищу деда, что

по-татарски означает "золотых дел мастер". Рано осиротев, мальчик жил у

родственников, работал у чужих людей: был слугой у хлеботорговца, служил у

подрядчика, работал ретушером у фотографа.

Основы грамоты Куинджи получил от знакомого учителя грека, а затем занимался

в городской школе. Любовь к рисованию проявилась у него в детстве, он рисовал

везде, где приходилось, — на стенах домов, заборах, обрывках бумаги. Страсть

к рисованию привела его в Феодосию к И.К. Айвазовскому. Пробыв несколько

месяцев у знаменитого художника, Куинджи едет в Петербург с мечтой поступить

в Академию художеств. Но не сразу ему удалось стать учеником Академии: слабой

оказалась художественная подготовка. Он дважды держал экзамены и оба раза

безрезультатно. Но :гго не могло остановить упорного и настойчивого юношу. В

1868 году на академическую выставку он представил картину "Татарская сакля",

за которую получил звание неклассного художника. В этом же году его приняли

вольнослушателем в Академию. Куинджи окунулся в атмосферу художественной

жизни. Он дружит с И. Е. Репиным и В. М. Васнецовым, знакомится с И. Н.

Крамским — идеологом передовых русских художников. Лиричность пейзажей

Саврасова, поэтическое восприятие природы в картинах Васильева, эпичность

полотен Шишкина — все открывается перед внимательным взглядом молодого

художника.

Куинджи начинает искать самостоятельные пути в искусстве. Созданная им в 1872

году картина "Осенняя распутица" (ГРМ) своей реалистической направленностью

была близка картинам художников-передвижников. Куинджи не просто передал

осенний холодный день, размытую дорогу с тускло поблескивающими лужами — он

ввел в пейзаж одинокую фигуру женщины с ребенком, которая с трудом идет по

грязи. Осенний пейзаж, пронизанный сыростью и мглой, становится печальным

рассказом о простых русских людях, о тоскливой безрадостной жизни.

Лето 1872 года Куинджи провел на Ладожском озере, на острове Валаам. В

результате появились картины: "Ладожское озеро" (1872, ГРМ), "На острове

Валаам" (1873, ГТГ). Неторопливо, спокойно ведет художник в своих картинах

повествование о природе острова, с его гранитными берегами, омываемыми

протоками, с темными густыми лесами, упавшими деревьями. Эту картину можно

сопоставить с былинным эпосом, живописным сказанием о могучей северной

стороне. Серебристо-голубоватый тон картины сообщал ей особую эмоциональную

приподнятость. После выставки 1873 года, на которой это произведение было

показано, о Куинджи заговорили в прессе, отмечая его самобытный и большой

талант.

В 1874 году Куинджи пишет картину "Забытая деревня" (ГТГ), которая по остроте

социального звучания, беспощадной правде показа пореформенной русской деревни

перекликалась с картинами передвижников. В следующем году Куинджи выставил

три картины: "Чумацкий тракт в Мариуполе" (ГТГ), "Степь в цвету" и "Степь

вечером" (местонахождение неизвестно). В картине "Чумацкий тракт" художник

изобразил нескончаемый поток обозов, медленно движущихся в хмурый день по

осенней степи. Ощущение холода, сырости усиливается колористическим решением

полотна.

Совсем иные по настроению "Степь вечером" и "Степь в цвету". Художник

утверждал в них красоту природы, восхищался живительной силой солнечного

тепла. С этих работ, по существу, начинается новый этап творчества вполне

сложившегося художника. Стремясь расширить знания, Куинджи предпринимает

заграничную поездку. Пребывание за границей, знакомство с искусством Англии,

Франции, Бельгии, Германии обогатило художника яркими впечатлениями и вместе

с тем укрепило уверенность в собственных силах, в верности избранного пути. В

1876 году на Пятую передвижную выставку Куинджи представил "Украинскую ночь"

(ГТГ).

С огромной поэтической силой открылась удивительная красота украинской

ночи... На берегу небольшой речушки примостились озаренные лунным сиянием

украинские хатки. Ввысь устремились тополя. Тишина, спокойствие разлиты в

природе. На синем, словно из бархата, небе мерцают яркие звезды. Для того,

чтобы так естественно и выразительно передать лунное сияние, мерцание звезд,

художнику понадобилось решать сложнейшие живописные задачи. В картине все

построено на виртуозной разработке тональных отношений, на богатстве цветовых

сочетаний. В 1878 году "Украинская ночь" была показана на Всемирной выставке

в Париже. "Куинджи, — писала французская критика, — бесспорно самый

интересный между молодыми русскими живописцами. Оригинальная национальность

чувствуется у него еще более, чем у других".

В 1879 году художник пишет три пейзажа: "Север", "После грозы", "Березовая

роща" (все в ГТГ). Разные по мотивам, они объединены большим поэтическим

чувством. Картина "Север" продолжала серию северных пейзажей, начатых

"Ладожским озером". В ней Куинджи отошел от изображения определенного уголка

природы. Его полотно — обобщенный поэтический образ Севера, созданный

воображением художника итог раздумий, размышлений о величественной и суровой

природе. Картина "Север" завершала трилогию, задуманную еще в 1872 году, и

была последней из этой серии. На долгие годы потом Куинджи отдает свои талант

воспеванию природы южной и средней полосы России. Полон жизни, движения,

ощущения свежести омытой дождем природы пейзаж "После грозы". Но наибольший

успех на выставке выпал на долю картины "Березовая роща". Толпы людей часами

простаивали у этого полотна. Казалось, будто само солнце проникло в помещение

выставочного зала, освещая зеленую поляну, играя на белых стволах берез, на

ветвях могучих деревьев. Работая над картиной, Куинджи искал прежде всего

наиболее выразительную композицию. От эскиза к эскизу уточнялись расположение

деревьев, размеры поляны. В окончательном варианте нет ничего случайного,

"списанного" с натуры. Передний план погружен в тень — так подчеркивается

звучность, насыщенность солнцем зеленой поляны. Художник сумел, избежав

театральности, создать декоративную картину в лучшем понимании этого слова.

Куинджи с огромным вдохновением воспевает в ней красоту и поэзию природы,

ослепительную яркость солнечных лучей, несущих радость людям.

В 1880 году в Петербурге на Большой Морской (ныне ул. Герцена) была открыта

необычайная выставка: демонстрировалась одна картина — "Лунная ночь на

Днепре" (ГРМ). Она вызвала бурю восторгов. У входа на выставку стояла

огромная очередь.

Мастерство Куинджи в передаче лунного света — результат огромной работы

художника, длительных поисков. Его мастерская была лабораторией

исследователя. Он много экспериментировал, изучал законы действия

дополнительных цветов, отыскивая верный тон, сверял его с цветовыми

отношениями в самой природе. Упорным, настойчивым трудом достигал Куинджи

виртуозного владения цветом, той композиционной простоты, которые отличают

его лучшие работы.

В 1881 году художник создал картину "Днепр утром" (ГТГ). В ней нет игры

света, яркой декоративности, она привлекает спокойной величавостью,

внутренней мощью, могучей силой природы. Удивительно тонкое сочетание чистых

золотисто-розовых, сиреневых, серебристых и зеленовато-серых тонов позволяет

передать очарование цветущих трав, бесконечных далей, раннего степного утра.

Выставка 1882 года была последней для художника. Наступили долгие годы

молчания. Друзья не понимали причин, волновались. Куинджи же сам объяснял

так: "...Художнику надо выступать на выставках, пока у него, как у певца,

голос есть. А как только голос спадет надо уходить, не показываться, чтобы не

осмеяли. Вот я стал Архипом Ивановичем, всем известным, ну это хорошо, а

потом увидел, что больше так не сумею сделать, что голос как будто стал

спадать. Ну вот и скажут: был Куинджи, и не стало Куинджи! Так вот я же не

хочу так, а чтобы навсегда остался один Куинджи".

По сравнению с десятилетием активного участия на выставках, за остальные

тридцать лет Куинджи сделал сравнительно немного. По воспоминаниям друзей

художника, в начале 1900-х годов Куинджи пригласил их к себе в мастерскую и

показал картины "Вечер на Украине", "Христос в Гефсиманском саду", "Днепр" и

"Березовая роща", которыми они были восхищены. Но Куинджи был недоволен этими

работами и на выставку их не представил.

"Ночное" — одно из последних произведений заставляет вспомнить лучшие картины

Куинджи времени расцвета его таланта. В нем также чувствуется поэтическое

отношение к природе, стремление воспеть ее величавую и торжественную красоту.

В 1897 году за участие в студенческой забастовке Куинджи был заключен на два

дня под домашний арест и отстранен от профессорства. Но не заниматься с

учениками художник не мог. Он продолжал давать частные уроки, помогал

готовить конкурсные работы.

11 июля 1910 года Архип Иванович Куинджи умер.

Своим искренним и вдохновенным творчеством он прославил русское искусство и

внес ценнейший вклад в его сокровищницу.

Страницы: 1, 2, 3, 4, 5